Concepto personaje femenino para un juego | Capitulo 1 Crear un diseño solido

En este primer capitulo vamos a explorar varias ideas en Photoshop y crear un borrador pulido entre los mejores borradores.

Introducción

En este tutorial cubriremos paso a paso la creación de un concepto de un personaje femenino para un juego. Está dirigido a profesionales de la industria o amateurs cualificados ya que se supone que tiene un buen conocimiento de la anatomía, los volúmenes en un espacio 3D, perspectiva y color.

No serán dibujos ortográficos para el concepto final ya que me parece que tiende a absorber toda el alma de un concepto, una vez convertido a 3D. En su lugar crearemos a una vista frontal y una vista en 3/4  y apostar por las habilidades de interpretación del artista 3D.

Paso 1:  Interpretación

El primer paso en cualquier concepto especialmente en un entorno profesional en el que puede que tenga que cambiar y adaptarte en base a la dirección artística, comenzar siempre es muy difícil.

Aquí es donde hacemos una lluvia de ideas y tratamos de llegar a la mayor cantidad siluetas atractivas como sea posible, En este caso sabemos que el personaje va a ser mujer y la estoy inclinando hacia un ambiente de ciencia ficción. Por lo que este es un momento impresionante para cualquier artista.

Guía paso a paso color | Parte 1

 

Aprenderemos en esta primera parte, partiendo de la mezcla colores primarios sacar más colores los colores llamados secundarios que parten de la mezcla de los primarios, ¡empecemos!.

Lo que vamos a haces es coger los tres colores primarios el rojo, amarillo y azul, y hacer una barra para mezclarlos y sacar los colores secundarios, pero antes para hacerlo más ameno dejare cada color con su código hexadecimal si estas trabajando como yo con tu tableta gráfica.

 

Lo primero que vamos a hacer es mezclar el color amarillo lima con el color azul. Cogemos el color amarillo y vamos pintando hacia el color azul degradandolo hacia un tono más claro.

Pintura digital 101 – Parte 1

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Después de varios días de trabajo y esfuerzo, traigo el primer vídeo de la serie Pintura digital 101 traducido toltalmente en español.

Matt Kohr nos enseñará lo más basico para empezar a realizar ilustraciones digitales con photoshop personalizando el espacio de trabajo, aprendiendo atajos de teclado y varías técnicas bastante útiles para desenvolvernos con este poderoso sofware de imagen para relizar ilustraciones digitales, sin más dilación espero que disfruten del primer vídeo de la serie.

Guía artística para personajes de DOTA 2

Diseñar el primer ítem para  Dota 2 requiere más que habilidad y una buena idea. La estética de Dota 2 parte de un conjunto de principios que ayudan a conservar a cada héroe identificable. En el orden para que un ítem tenga la máxima oportunidad para que sea adoptado por la comunidad de STEAM. Es importante que tenga consistencia con el diseño original. Para explicar estos principios vamos a ir sobre lo que son cada uno y como los hemos usado para diseñar nuestros héroes.

 

Siluetas

-La silueta de nuestro héroe debe ser claramente identificable a primera vista.

-La silueta debe mostrar la orientación que tiene el personaje.

-Personajes tienen que ser diseñados con una pose en mente. Esta pose puede reforzar la fuerza que tiene el personaje, su porte y agilidad.

 

-Las armas también necesitan una única lectura pero deberían funcionar para complementar el diseño de nuestro personaje.

Guía de rápida del color para Artistas

Antes de empezar con el tutorial quiero explicar lo que se va a enseñar y lo que no. No voy a enseñar a comparar el alcance visual de los seres humanos, los insectos, y los extraterrestres del planeta Zog. Lo que voy a enseñar es la aplicación práctica de la teoría del color, cómo conseguir aplicarlas en sus obras, y qué hacer para que funcionen en estas.

En este tutorial espero que consigan pintar sin que se empanen con un montón de jergas técnicas. Esta guía esta dirigida principalmente a artistas principiantes.

Parte 1: Colores complementarios y la rueda de color

Una cosa que todo artista debe conocer es la rueda de colores. No es algo muy bonito, pero puede ayudar mucho con la selección de los colores. Hay un par de reglas básicas asociadas con la rueda de colores. No son difíciles ni se aprenden muy rápido estas reglas, pero siempre es bueno recordarlas.

1. La regla de los tercios - Divide la rueda de colores en tres partes  y los colores dentro de cualquier tercio van a funcionar en una composición.

Y si escogemos un color cualquiera, los cuatro colores adyacentes también se complementan, y funcionarán en una composición.

Podríamos comenzar en el color rojo y recorrer todo el circulo hasta a la derecha,  naranja/amarillo, o púrpura/azul, a la izquierda. Esta regla es muy útil cuando estás pintando algo que es aparentemente de un solo color, como la rata “negra” que se muestra a continuación, pero deseamos alguna variación de color y textura para que sea interesante.

La rata actual era por supuesto completamente negra, pero en la pintura he utilizado tonos sutiles de azul, púrpura y rojo púrpura para añadir una sensación de riqueza y profundidad al color. Como puedes ver, no es necesario el uso de versiones super-saturadas del grupo de color para conseguir el efecto deseado. La rueda de color es solo una ayuda para obtener la idea correcta.

2. Colores complementarios

Si cogemos una regla y la colocamos atravesando la rueda de colores, los dos colores que atraviesa son complementarios. Esto es, porque el rojo esta justamente frente del color verde, el rojo es el color complementario del verde. Saber esto es algo bueno por varias razones. En primer lugar, cuando pintamos artesanalmente, queremos mezclar colores profundos e intensos, debemos evitar la mezcla de una gran cantidad de colores complementarios, esto generalmente produce, lodo grisáceo feo que se verá aburrido en el lienzo.

Cuando quiero mezclar tonos muy profundos, que tienden a utilizar combinaciones de colores oscuros similares, a continuación añado un pigmento de ocre oscuro o pequeñas cantidades de pigmento negro o “Negro de Marte” hasta que obtenga el tono deseado.

Dibujos de anime | Reglas para dibujar caras femeninas

Hay varias características que diferencian una cara femenina de una cara masculina . El grado en el  que se noten sus diferencia, los distingue. Ya sea sutil o abiertamente determinan la masculinidad o su feminidad sus características faciales.

Por supuesto hay otros indicadores de feminidad o masculinidad como el pelo ,vestido, accesorios, anchura de las extremidades, de los hombros, cintura, cadera, musculatura, la presencia o ausencia de nuez de adán o pecho y la postura. Por ahora hablare de las características faciales primero.

Las caras femeninas tienen características faciales redondeadas y curvadas principalmente, por ejemplo cejas, pómulos , clavícula y mentón suaves. En cambio las caras masculinas tienen estas características más definidas.

Diferencia entre cráneos femeninos y masculinos

La frente (El cráneo de los  hombres suelen tener arcos superciliares más prominentes y una glabela más prominente)

Hueso Temporal  (Los cráneos masculinos tienen las líneas temporales más prominente)

Cuenca de los ojos ( Los cráneos femeninos tienen una cuencas más redondas que las de los hombres) 

Mandíbula (Las mujeres tienen una mandíbula mas estrechas y más redondeada)

Frente  (Las mujeres tienen una frente mas ancha)

 

Como desaturar una imagen con Adobe Photoshop

Voy a explicar las dos maneras para poder desaturar una fotografía y resaltar algún objeto de nuestra imagen para poder darle un toque mas artístico. En mi caso yo usare esta imagen.

La primera técnica para poder desaturar es utilizando la opción que tenemos en Imagen > Ajustes > Color y Saturación

¿Como dibujar ojos?

En este articulo vamos a aprender como dibujar los ojos y ver los problemas más frecuentes a la hora de representarlos, la mayoría de las veces, a la hora de dibujarlos desde distinta perspectiva.

Cuando empezamos a dibujar, nos olvidamos que un ojo es una serie de círculos dentro uno de otro, una buena manera de entenderlo es mirandolo desde una perspectiva frontal.

Pero el problema viene cuando intentamos girarlo en otra perspectiva, y solemos representarlos de manera plana en vez de manera tridimensional como en el ejemplo de abajo.

Dibujo del cuerpo humano | Parte III

Hay varias técnicas disponibles cuando estamos estudiando el cuerpo humano y una amplia gama de medios que se pueden utilizar al crear nuestra obra. Sin embargo, si elegimos una manera tradicional o digital, un conocimiento básico de los fundamentos del dibujo de la figura humana es esencial para que podamos avanzar y crear trabajos más realistas y uno de estos fundamentos es el tema de la forma.

Al igual que la mayoría de los artistas, mi introducción al dibujo de la figura humana se basa en el uso de líneas. No fue hasta que empecé a comprender la relación entra la forma y el valor tonal descubrí una manera más fácil de crear representaciones más convincentes del cuerpo humano. Hoy en día, este es el enfoque en le que me baso a la hora de realizar la mayor parte de mis estudios de la figura humana.

Mi objetivo es enseñar de forma no lineal la elaboración de dibujos del cuerpo humano. Aprenderá cómo partir de una imagen para “ver” las formas básicas, y analizar los valores tonales de un tema con el fin de dibujar o pintar de una manera más convincente.

Analizando la forma

Analizar la forma es un ejercicio de compresión analítico y visual. Que nos permite analizar y recrear de forma efectiva zonas iluminadas y zonas de sombra de forma que permite revelar características tales como el tamaño, la edad y el sexo de una figura con más precisión.

Mientras que las áreas positivas y negativas creadas por la luz y la sombra pueden cambiar una forma, estas áreas deben ser del tamaño y la forma correcta con el fin de crear una similitud casi exacta.

Siendo capaz de reconocer y distinguir formas en valor tonal puede parecer difícil al principio, pero va a ser más intuitivo, mientras que disminuye el riesgo de crear el retrato de forma incorrecta.

Formas VS Lineas

En este ejemplo tenemos una comparación de dos cabezas realizadas de diferentes maneras. Una basada en las formas y otra en el dibujo de las lineas. Hay una tendencia a desarrollar los detalles en forma temprana, que a veces puede dar lugar a errores de proporciones, mientras que el dibujo basado en la forma que proporciona una representación más rápida y equilibrada del sujeto. Siendo capaz de ver las formas como masas. 

Paso a Paso

Siendo capaces de reconocer y distinguir formas por el valor tonal puede parecer difícil al principio, pero a medida que continuemos trabajando de esta manera nos será más intuitivo este modo de trabajo. Recuerde que hay formas en las formas, y estas  formas, a su vez crean más formas. Todo esto parece un poco complicado, pero trata de pensar como si esto fuese un gran rompecabezas.

La clave principal es reconocer y desarrollar las formas mas grandes primero, las medianas después y por ultimo las más pequeñas.

Dibujo del cuerpo humano | Parte II

Dibujo del cuerpo humano

Las bases para el dibujo del cuerpo humano

Entender la figura y las formas es una de las maneras más rápidas para conseguir un buen control y profundidad en el dibujo del cuerpo humano.

Pensando en tres dimensiones ayuda a tus dibujos que tengan mayor realismo y peso. La mayoría de los objetos pueden ser simplificados a simples formas geométricas.

Un torso puede ser visto como un simple grupo de cubos y cajas. Brazos y piernas como cilindros, mientras que la cabeza puede se puede ver como una esfera.